En el mes de octubre celebraremos la II Exposición Colectiva de Alas & Aletas, por la preservación de las especies marinas y terrestres. Artistas unidos en pro de medio ambiente.
SERÁ EXPUESTA EN LA BIBLIOTECA MUNICIPAL
DE AZUA
lunes, 29 de julio de 2024
Estilo pictórico del artista plástico Franklin García Reyes
Artista plástico Franklin García Reyes
Por Virgilio López Azuán
Franklin García Reyes es un artista plástico
dominicano que acaba de obtener un premio internacional de pinturas en el
certamen Imaginación 2024. Ha participado en varias exposiciones nacionales e
internacionales y es miembro del Colegio de Artistas Plásticos Dominicanos.
Además, se desempeña como muralista y restaurador. Cree que “el artista debe
dominar un conjunto de técnicas que se fusionen para armonizar la línea, el
color, la figura, la forma, el valor, el espacio y la textura” (Pérez, 2022).
Unos meses atrás fui a una de sus exposiciones en
Santo Domingo. El estilo adoptado por el pintor es el cubista. Generé un marco
interpretativo de su muestra. Mi interés en aquel momento era disfrutar de los
cuadros, establecer un vínculo sensorial con el arte, sin pretensiones
conceptuales. Pero, al final, quedé altamente interesado por las técnicas y los
conceptos subyacentes en las obras, los cuales me motivaron a seguir
investigando sobre la producción pictórica de este artista nuestro.
Como he de contar a mis lectores, mi pasión es el
lenguaje, el pensamiento, las tendencias, los conceptos y hasta la filosofía de
las cosas. Más bien, el oficio encantador que ejerzo es el de pensar. Casi
siempre termino, como dicen en buen dominicano, “emburujado” con ideas,
análisis crítico, reflexiones, opiniones y disquisiciones, principalmente, en
los temas asociados al lenguaje y al arte, literario y visual.
El cubismo en algunas muestras del
pintor
Las pinturas de García Reyes permiten hacer una retrospectiva
teórica de las técnicas, formas e imágenes de estilo cubista. Algunos
cultivadores son: Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963),
Fernand Léger (1881-1955), Jean Metzinger (1883-1956), Robert Delaunay
(1885-1941), Jaime Colson (1901-1975), Joaquín Torres-García (1874-1949 ) Yoryi
Morel (1906-1979) y otros grandes pintores.
La crítica e historiadora del Arte, María Fals,
considera que la obra de Franklin García Reyes, “es muy variada en cuanto a
temas y estilos, se desarrolla dentro de un cubismo sintético, en el que en vez
de acudir a los tonos neutros, recupera el color en lo que él denomina ‘Cubismo
costumbrista’” (Fals, 2021).
Aproximarse a los cubistas es asistir, como ellos
mismos se caracterizaban, a una fragmentación de la realidad, a las
abstracciones geométricas en el arte. Con ellos, una nueva mirada a la gente, a
la vida y a las cosas, mostraba un rastro del pensamiento analítico, político y
filosófico que se incubaba en Occidente a principios del siglo XX. El nombre de
cubismo viene de la palabra clave, de origen francés "cubes", o el
cubo, como figura para la descomposición de los objetos y ser colocados sobre
el plano, mostrando una dimensionalidad, sin omitir en concepto la totalidad de
las formas. Estos artistas utilizaron también como figuras geométricas el
cilindro y el cono, pero la forma de cubo se destacaba ante las otras. García
Reyes prefiere utilizar el cuadrado, ante otras figuras.
El cuadrado en la muestra de García
Reyes
El cuadrado guarda muchos simbolismos. Ya Carl Gustav
Jung hablaba de la cuaternidad, cuál fuera un arquetipo universal, como premisa
de todo juicio lógico de la totalidad… En su libro Symbolik des Geistes (1953)
hacía alusión a la totalidad del horizonte al nombrar los puntos cardinales, los
cuatro elementos, las cuatro cualidades primitivas, las cuatro castas de la
India, los cuatro caminos en sentido de la evolución espiritual del hinduismo.
O sea, que la idea de totalidad está asociada al número cuatro en coincidencia
con Platón. Jung también expresaba que "la perfección ideal es lo redondo,
el círculo (mandala), pero su escala mínima es la cuadratura". El cuadrado
y el círculo, como figuras geométricas, están relacionadas en sus
configuraciones… Los antiguos mesopotámicos, para conocer el área de un
círculo, lo situaban entre dos cuadrados.
El cuadrado en el arte sería la presentación de un
paradigma de rectitud moral o espiritual, una manera calculada de aproximarse a
realidades tangibles y verdades contundentes y categóricas. También, representa
rupturas de modelos y el advenimiento de un mundo más dependiente de la ciencia
y su ideal de progreso. Sería el resultado de una nueva visión del mundo cuando
iniciaban las primeras décadas del siglo XX, donde la teoría de la relatividad,
el espacio-tiempo- de Einstein, había emergido en el mundo académico de
entonces.
Coincide esta etapa con el apogeo de grupos
filosóficos y científicos de Europa, entre ellos, los del Círculo de Viena.
Matemáticos, físicos y científicos naturales incursionarán en temas para
explicar la filosofía con los métodos de ciencias, desde el empirismo lógico,
neopositivismo o positivismo lógico. Plantean una crítica a la metafísica y
consideran la filosofía como una disciplina que distingue lo que es y no es
científico. Propugnan por la elaboración de un lenguaje que sea común para
todas las ciencias. Se destacaron en este círculo: Moritz Schlick (1882-1936),
Otto Neurath (1882-1945), Herbert Feigl (1902-1988), Rudolf Carnap (1891-1970),
Philipp Frank. (1884-1966), Friedrich Waismann (1896-1959) y Hans Hahn
(1879-1934), entre otros.
Obras destacadas
Algunas obras destacadas de García Reyes son
“Maternidad”, “Copa de vida”, “Mi ángel guardián”, entre otras. En los trazos y
los colores, el artista expresa su sensibilidad, pensamiento, sentimiento e
intuición. Se desplaza la ternura y la compasión en las figuras costumbristas y
religiosas. En la mayoría de sus obras, donde aparecen rostros, principalmente,
los de personajes que semejan a Jesucristo o la Virgen María, los ojos los
pinta como si estuvieran cerrados, dando la impresión de sacralidad y devoción.
El fundamento básico de estas es mostrar una imagen inmediata de una profunda
esperanza espiritual, siendo una fuente inagotable para su pensamiento y
consagración.
El estilo cubista, en la figura humana, se queda solo
para el rostro; las demás partes del cuerpo son presentadas atendiendo a la
tridimensionalidad en el plano. O sea, que el pintor se expresa con figuras
bidimensionales y tridimensionales. ¿Qué razón supone esta mixtura de
representar en el lienzo la segunda y tercera dimensión?
Sugiere el planteamiento de una realidad con múltiples
dimensiones, una composición estética asumida desde una perspectiva de la
observación plural del objeto. Su sentido sería trasladar las formas de las
cosas que tienen explicación en el mundo bidimensional a uno tridimensional,
sin que se pierdan las propiedades de la figura y se avistan sesgos u omisiones
del total de la cosa representada.
El cuerpo humano posee simetría
bilateral. Si se produce un corte en dos mitades, de arriba hacia abajo,
resultaría que cada mitad sería igual a la otra. En las cabezas pintadas por
García Reyes, utilizando el cuadrado como forma, el corte simétrico es notorio.
Un lado de la cara, con un ojo y pestaña, ceja, labios y nariz, hace suponer la
existencia del otro lado con las mismas características; sin embargo, esa
simetría bilateral a veces no se expresa en otras pinturas. En algunos casos,
el artista pinta los labios sin tomar en cuenta esa simetría y transgrede la
forma física del cuerpo humano, visto con un perfil bidimensional. ¿Sería una
aproximación al concepto del cubismo analítico?
Una
influencia puntual
Una obra de Pablo Picasso pudo
haber influido en el pensamiento pictórico de García Reyes. Es la llamada
“Chica con mandolina” del cubismo analítico. Es la figura de la mujer compuesta
por cubos, pero se resalta el cuadrado en forma de rostro. El ojo aparece como
cerrado, quizá, disfrutando de la música del instrumento. De esa misma manera,
los ojos en los rostros pintados por García Reyes están cerrados. En esta
pintura de Picasso, se aprecia que el rostro se prolonga hacia la tercera
dimensión. Lo mismo sucede con el cuello, que se le pinta una sombra para darle
profundidad. Coincide esta sombra con la de un cubo colocado al lado del cuello
de la chica.
En García Reyes, el cubo no es
presentado en su amplitud proporcional. Pone de relieve el cuadrado con su
preeminencia en el lienzo. La nariz, en los rostros pintados por García Reyes,
se muestra de manera incompleta o tácita.
Las imágenes cubistas pueden
ofrecer sentido de profundidad al objeto, si cumplen con sus postulados
geométricos, principalmente, cuando se utilizan trazados en forma de
cubos, conos y cilindros. Se genera una flexibilidad en la imagen y
una suavización del acto perceptivo, o sea, el fenómeno estético puede semejar
más a la realidad que utilizando el cuadrado o el rectángulo con más
frecuencia.
Con la utilización del cuadrado
como figura geométrica, García Reyes convierte el rostro en una imagen
abstracta y el resto del cuerpo refleja una aproximación a la realidad real en
cuanto a las formas.
Rigidez y límites de
interpretación en las muestras cubistas
¿Existe alguna rigidez para la
percepción de las figuras cubistas? ¿Limita la interpretación o la traducción
de la pintura a un lenguaje de palabras que lo acerque más a la realidad
codificada del objeto por medio de la interpretación holística? En el arte
cubista existe el privilegio de las formas y la tendencia de suprimir la generación
de emociones o sentimientos. En ese sentido, existe cierta rigidez para
despertar efectos sensoriales. Aunque esto es discutible, no es menos cierto
que en la expectación se reduce la amplitud imaginativa. La figura del cuadrado
era y es más cercana a la realidad dentro de la cultura occidental. Es la que
más se repite en los entornos familiares y sociales. Se visualiza con los
objetos dentro de la casa: las formas de mosaicos del piso, de la habitación,
el libro, las ventanas, los cuadros en la pared, la pared misma, el escritorio,
la cama, las puertas, la laptop… En la configuración de la ciudad, las calles
con sus cuadras, los parques, los estilos urbanísticos; excepto, los que
provienen de estilos arquitectónicos clásicos. En fin, el cuadrado, se
entroniza en la psique cultural de los colectivos, propiciando estilos de
vidas, hábitos y conductas con tendencias a la rigidez.
El lenguaje pictórico
En su muestra, García Reyes, lo rígido lo hace parecer
elástico, dúctil y perceptible. A pesar de que los cubistas utilizan una paleta
de colores reducidos, como también lo hace García Reyes, las combinaciones y
los tonos encendidos permiten sensaciones estéticas variadas. En la primera
etapa del cubismo, los colores grises, verdes y marrones predominaban. Después,
la paleta se abrió un poco más, manera técnica que adopta nuestro pintor. Se
resaltan los colores de los rostros, que van desde un amarillo intenso hasta
uno anaranjado. El color carne no forma parte de la paleta de nuestro artista.
Subyacen los colores del trópico, asociados con los que evocan costumbres de
ancestros.
Para interpretar el lenguaje pictórico de García
Reyes, reiteramos que, en las pinturas con el estilo cubista, es preferible que
exista “La necesidad de apreciación de las obras de artes visuales desde un
presupuesto holístico, parte del análisis de los múltiples aspectos que la
caracterizan, como un ente íntegro y organizado, resultado de interacciones
multidimensionales constantes en un contexto…” Salas-Batista, G. (2017). Esto permite
una aproximación a las motivaciones, emociones, pensamiento artístico del
autor, para consentir una visión más clara de su arte.
El impresionismo y el puntillismo son dos ejemplos de
arte holístico. Una puntilla está en relación con las demás puntillas, pero no
se puede definir el concepto de figura, describiendo a una sola puntilla o un
trazo en el lienzo, como lo hacía Vincent van Gogh, que tenía una concepción de
fragmento. Cada pincelada establece una lógica de la pintura con las demás partes.
Aunque las obras de García Reyes se pueden analizar por medio de sus partes, en
relación con las técnicas utilizadas, la mirada holística permite la
caracterización de su forma de pensar y la apreciación del lenguaje de la
realidad.
En fin, la plástica dominicana tiene en García Reyes
un continuador de las expresiones cubistas en este tiempo. Su adaptación al
contexto de las percepciones actuales del individuo y la sociedad, más el
enriquecimiento de conceptos de formas y perspectivas de las cosas, serían
innovadores. A eso apuesta este artista, a la prolongación e individuación de
su arte como fuente expresiva.
REFERENCIAS
1.
C. G. Jung, Symbolik des Geistes, 2ª ed., 1953, pág.
399.1
2. Fals, M. (2021) Franklin García
Reyes y el cubismo costumbrista. Periódico El digital. Santo Domingo.
Recuperado el 23 de julio de 2024. https://eldigital.com.do/franklin-garcia-reyes-y-el-cubismo-costumbrista/
3. Geobanis Salas-Batista (2017) El
holismo, un necesario referente para la apreciación de las artes visuales y su
dinámica en la formación del profesional de la educación. Revista Maestro y
Sociedad, Cuba. Recuperado el 26 de julio de 2024 file:///C:/Users/Virgilio%20Lopez.Azuan/Downloads/delasmercedes,+3312-10713-1-CE.pdf
4. Pérez, M. (2022). Franklin García:
“Me gustaría que la cultura alcance a la masa popular” Periódico El Caribe.
Santo Domingo. Publicado el 5 de agosto del 2022 y recuperado el 23 de julio de
2024. https://www.elcaribe.com.do/gente/cultura/entrevista-cultural/me-gustaria-que-la-cultura-alcance-a-la-masa-popular/
Domingo 28 de julio de 2024
Publicación en Acento: No. 113
Félix López: artista plástico en constante acto de expresión
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Artista plástico, Félix López
Por Virgilio López Azuán
No
existen maneras para definir a un artista en todas sus dimensiones. El yo
absoluto es de difícil descripción ante la concentración y dispersión del acto
creativo. Sucede en todas las artes. Su construcción está sometida a fenómenos
no solo de experiencias vitales, temporales y atemporales, sino a al orden, al
azar, a la sincronicidad de Carl Jung (1964) , y otros fenómenos del consciente
e inconsciente; del texto y el contexto, del tiempo y el vacío, de lo visible e
invisible.
En la pintura, como arte, la expresión del yo, no deja atrás
el orden y el caos de lo consciente y mucho menos de lo inconsciente.
Emociones, sensaciones, recuerdos, arquetipos, modelos, paradigmas, hábitos…,
pueden aflorar, dando formas a realidades e irrealidades; también, de “los
renglones derechos y torcidos de la
personalidad humana” —tomando palabras prestadas de la novela de Torcuato Luca de Tena, Los reglones torcidos de Dios.
El arte puede reflejar estados psíquicos de
importancia para la descripción del yo artista. Siempre he pensado, como
algunos metafísicos, que el yo es un concepto múltiple, está conformado por un
conjunto de yoes. Las habilidades del artista, los desdoblamientos, las maneras
de penetrar a las formas, sustancias o esencias de las cosas —unido a la técnica
definida en su arte—, son las diferencias entre unos y otros.
En un cuadro pictórico las luces y las sombras develan
dimensiones espaciales y temporales. Penetrar a la hondura del ser, o de la
cosa, es el gran desafío del creador; hacerlo fluir, rescatarlo del caos donde
está metido es la tarea. Traerlo a la superficie y transmutarlo, convertirlo en
sensaciones de plenitud, podría ser la conquista del vellocino de oro.
Félix López es un artista plástico
dominicano con larga trayectoria, sin el reconocimiento justo por su talento y
su pasión artística. No es un improvisado, ni se deja apabullar de los desafíos
de las luces y las sombras cuando toma un pincel. Tampoco se echa para atrás ante la confrontación de la
realidad real, la realidad percibida, lo surreal y el abstracto, en sentido
general. Muchos de sus cuadros dan la impresión de que prefiere el realismo en
cuanto a las formas, como son los casos de su producción de arte, donde las
aves y los peces son los protagonistas. En estos casos, el artista apela a
matices vivos, brillantes y resaltados; tropicales y calientes.
Lo sexual, mujer y naturaleza
en su arte
La imagen
y simbología de lo sexual son materias importantísimas en el arte de López,
principalmente en la figura de la mujer, real o paradisiaca, total o
segmentada. Si se psicologiza al autor, rasgos del erotismo y lo sexual
aflorarían como eje temático del discurso mental, las sensaciones y
representaciones. En sus muestras ese discurso más que sensual es simbólico,
casi ritualista. El respeto y la exaltación de la mujer como fuente de recreación artística es un mensaje
subyacente. Hay una fuerte crítica a despojar al cuerpo de la mujer de su
estado natural frente al riesgo del modelaje producto de las cirugías
plásticas, cosa esta que entra en contraposición con el ideal de la belleza del
artista. Donde no acepta el logro de los paraísos poéticos, de lo bello es en
ese acto. Aunque él se preocupa mucho por las formas pictóricas en el lienzo,
ante una realidad de riesgo de una vida humana, el arte es capaz de echarlo por
la borda. Ahí se centra una pasión particular por la mujer, su forma y quizá
por lo sexual.
Hay en las obras de este artista una naturaleza viva y otra muerta. Los pares donde encuentra el ciclo de su expresión. Por eso, en algunas de ellas encontramos restos de cadáveres de animales, huesos, tierra cuarteada, como si no existiera vida. Viaja en un ciclo recursivo, vital y no vital. Lo único con vida en todo momento son los colores, capaces de penetrar a la sustancia no vital. Los cilindros de colores se entierran en las grietas de lo muerto y resurgen con la misma vitalidad. Nadie sabe lo que encuentran en su travesía. Cuando salen, encuentran restos de naturaleza muerta, huesos, material orgánico y otros desechos, con los habían dejado.
Todos miran, pero nadie ve
El artista López tiene una colección que la ha titulado
“Todos miran, pero nadie ve”, donde en un cuadro los ojos humanos pintados en
abstracto están ahí, como si fueran el negativo de una fotografía, sin los iris
encendidos, sumidos en una oscuridad, ignorancia e indiferencia infinita. Como parte de los cuadros, aparece algo de la
naturaleza, ya sea en deterioro, abandonado o muerto, sin ojos que los vean.
El título de la colección antes mencionado nos refiere a un
orden verbal en la percepción del sujeto u objeto: Mirar, ver y observar. Si el
artista dice que nadie ve, el proceso de observación no estaría presente. Quien
percibe no se está fijando en los detalles de cómo la naturaleza sigue un
tránsito de muerte. Con solo ver sería suficiente para evitar el ocaso, no es
necesario observar. Es la máxima petición del artista.
Como parte de la naturaleza misma, ¿querrá el artista ser
visto por los demás? En una obra pictórica, sería un grito del yo (imaginario),
que lanza a los vientos su voz de alarma por sí mismo y por todos, de forma
sincrónica.
El artista con su obra propicia un estado de entropía de la
naturaleza de su ser, su yo y ego. Aquilata los estados de su esencia y los
lleva al lienzo, siempre con un eje transversal de carácter ético. En López se
rezuma el néctar de un mundo que va hacia el caos, con cierto hálito de
esperanza, simbolizado en unos cilindros de colores, pero con acento de
irreversibilidad.
Esa irreversibilidad aludida no está definida desde la filosofía del
existencialismo, sino de leyes y principios naturales. Quizá en esta nueva
corriente es donde va dejando el rastro del realismo monotemático para
presentar una dualidad: realismo-surrealismo, o una tríada:
realismo-surrealismo y, abstraccionismo incipiente —arte alejado de lo
figurativo que evita imitar o reproducir elementos naturales o reales—, configuren
maneras diferentes de expresión artística. Quizá haya una ruptura, un
distanciamiento, porque la realidad se agrieta —así como presenta en sus
cuadros el agrietamiento de la tierra producto de la sequía—, se hace caótica;
deja su estado de cuidado irrestricto de las formas y eclosiona.
En la
mayoría de los artistas, estos cambios son naturales, porque son naturales en
la vida misma, la cual está proclive a ellos, aunque haya fuerzas o mecanismos
de resistencias por tendencia a fundamentalismos que los impidan.
Los cilindros de colores y las influencias
Domingo 31 de marzo de 2024
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